Tengo el honor de presentarles éste 3er trailer de la película “el Cofre”, la primera grabada en su totalidad en el municipio de Calvillo. Un proyecto de mi amigo personal Carlos Silva, calvillense al igual que yo. Presumo que todos alguna vez en la vida hemos tenido la inquietud de contar una historia con imagen y sonido. Yo lo intenté con fotos y disfraces de niño, con juguetes y animación stop-motion (cuadro por cuadro) de adolescente, antes de tener una computadora, después los clásicos cortometrajes que no pueden faltar en la biografía de nadie (aquel dónde saliste de extra, allá entre la multitud, con gorra y lentes oscuros). Siempre intentando ser más profesional.

Con el Cofre avanzamos lento, pero jamás nos detuvimos. Quizás fue la falta de estructura formal que necesita cualquier producción. Teníamos un director/productor tomando decisiones, delegaba puestos y responsabilidades, pero jamás hubo la jerarquía y las separaciones de roles que nos enseñan en la universidad; en lugar de eso había entusiasmo puro. Actores, asistentes y director. Nada más.

El aspecto técnico es ésa cosa complicadísma que desanima enormemente. No así en el Cofre, la meta no era sacar un producto industrial con bordes redonditos y detalles cromados. Intentamos contar una historia divertida y creo que lo logramos. No intentamos impresionar cinefotógrafos ni montar una puesta en escena digna de una pieza posmoderna que hiciera aplaudir a Cannes.

Nosotros hicimos una película en Calvillo. Si, en el pueblo ése guayabero, dónde sólo hay un cine con sólo dos salas.
Y además es la primera, enteramente calvillense (no, no habrá regionalismos innecesarios, lo juro). En éste momento estoy dándole toques finales. Esperamos estrenarla -en el cine local claro- en un par de semanas. Luego los invito a verla

Por cierto, el narrador del 3er trailer es la misma voz que perifoneaba la cartelera por todo Calvillo durante casi 30 años.

Y no, no les diré de que trata mua-ja-ja-ja.

- Roque Iván Rodríguez 

Salvado al Soldado Pérez (2011)

La primera vez que me vi el tráiler de la película Salvando al soldado Pérez, me pareció de las mamadas más grandes del planeta. O del cine mexicano por lo menos, y todos sabemos que, como nuestro cine, para tonterías, no hay otro.

Una película de acción/comedia nacional, que al menos contó con el presupuesto suficiente para realizar un tráiler atractivo, y con actores que mínimo dan el gatazo de lo que están interpretando (narcotraficantes, gatilleros, soldados sin ley), pues valdrá la pena verla ¿no?

Primera no sorpresa: los protagonistas son sinaloenses. Estereotipados sinaloenses que lo primero que hacen una vez que han aceptado la misión de ir a Irak (aunque ni sepan dónde carajos está) es visitar la capilla de Malverde, santo de los narcos y de la gente pobre.

Los señores van a pedir suerte en sus empresas, o milagros específicos. Si funciona, si no los matan en el proceso, regresan y dejan muy generosos donativos que los encargados de la capilla invierten en cualquier caridad para los que no tienen recursos. Por supuesto, eso no lo veremos en ninguna película, no vaya a verse como promoción al narcotráfico.

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Tras es el estreno de Biutiful, última cinta de Alejandro González Iñarritu, y una profunda reflexión, podemos llegar a la conclusión de que, es inspirada cien por ciento en la filmografía del cineasta sueco Ingmar Bergman.

Este largometraje protagonizado por el español Javier Bardem posee una serie de características que aluden a “simples metáforas”, por ocasiones la historia se torna un tanto melodramática y exageradamente visceral, los encuadres controlados y los aspectos simbólicos un tanto desgastados aunados a un punto argumental sin fondo, dan un giro a la narrativa de cada escena haciendo de la cinta un refrito sin fondo y forma.

Las historia.
Particularmente Biutiful está llena de composiciones correspondientes al lenguaje cinematográfico bergmaniano, close up en repetidas ocasiones, diálogos largos y una inquietud exagerada y obsesión con el rostro humano, tal como lo hace el sueco Bergman en la cinta “La hora del lobo” de 1968, es decir, el personaje principal de esta película Johan Borg, se ve atacado por una terrible esquizofrenia ( el cáncer de Uxbal en Bardem) simplemente retomado desde la óptica del Mexicano, a partir de el punto argumental y anecdótico que radica en la tragedia de Uxbal, es más que inevitable que Iñarritu hace alusión a una de las escuelas cinematográficas mas importantes del séptimo arte, el denominado “Neorrealismo Italiano” en específico Biutiful es un réplica puntualizada y aburguesada de la cinta “El ladrón de bicicletas de 1948 dirigida por el italiano Vittorio de Sica. Con la misma intención, de perpetuar un sentimiento de frustración interna y decadencia social y cultural.

Los personajes
A comparación de las producciones europeas mencionadas, Iñarritu imprime a la psicología del personaje varias vertientes donde todo se mira perdido y sin algún sentido. El aspecto de lógica en la mente de Uxbal se ve poco coherente, es decir, un sujeto cuya vida está nula de motiviciones y desastres, que tiene una cualidad de contacto con la muerte, destruye el camino, la orientación y la continuidad de las acciones y consecuencias.
Una pareja infiel y encaminada siempre a la perdición, justificada en el cambio para bien de su familia, enreda aun más lo impreciso de la cinta, personajes que se dedican a llorar y a tener contacto con los muertos mediante aspectos que tratan de ser simbólicos pero que a final de cuentas rayan en lo patético.

Simbolismo injustificado.
¿Ratones viejos que se marchitan? ¿Similitudes bíblicas? ¿Multiculturalismo? ¿Nexos con el otro mundo?
Tomados desde ópticas vacías y alejadas de lo que podría ser una historia concreta, esta cinta es la antítesis de las producciones que anteriormente Iñarritu presentó. Lo simbólico no fue sino un desgastante proceso que terminó por abaratar lo prometedor de la obra.
Abordonando varios temas y desviándolos por estructuras cinematográficas acomplejadas, es de esperar que no fuera lo que muchos esperaban. Biutiful es una amañada película para los admiradores del director, que a diferencia de sus obras anteriores bien logradas y con una narrativa clara y segura, pasó a formar parte de las decepciones del año 2010.

- Gilberto Barrón Reyes

La edición al alto vacío. Chío y Paco evitan el tema de las 3 semanas sin programa, platican sobre Tron, robots amigables, los emos con tutu, lentes hipster y lo sexy que es el papá del Malcolm en calzones.

CADA SÁBADO EN 94.5 FM

A las 19.00 horas en XEUAA Radio Universidad

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Es taaaan real

Lo genial de el wey de Juno queriendo conquistar a la hija de Bruce Willis chingando al Superman chafa, Johny Storm y a su majestad hipster en el camino es que los kilos de referencias no requieren haber visto a Kubrick, tener leídos a los beatnik, saber quien es Gary Numan o ser asistente de las nefastas convenciones de cómics. Lo único que pide de ti es haber llevado una juventud un tanto a lo freaky o, en el peor de los casos, que hayas vivido una infancia feliz.

Vs. The World se esconde tras capas de chistes sobre el género de super héroes, sitcoms, comedias románticas, cine de Judd Apatow y las cintas de indie de cada verano. Un chiste de si misma, a la cual si alguien llega en blanco se llevará de cualquier manera una grata experiencia con una comedia ligera que rompe una odiosa tendencia del cine quesque  indie de este año: cada pinche personaje es adorable, quisieras que fuera tu amigo, incluso la dork que odia a todos (ja, alguien se sintió identificado).

Ese es otro punto, si bien con Scott todos tenemos puntos en común, me sentí más relacionado con Stephen, Julie, Kim, Gideon y Young Neil, será porque Scott todo el tiempo está en otra realidad o por decirlo de otra manera: es un imbécil. ¡Hey! ese es el punto el común con él y yo, para escapar de una encrucijada en lugar de enfrentarla simplemente la posterga, dando pie a un montón de situaciones cómicas. Aquí hay una similitud con Seinfeld: No hugging. No learning. Scott es una basura y lo seguirá siendo dado que le va bien. ¡Cómo en la vida Real!

Es taaaan real, ok, hay monos volando y caen monedas del cielo, además de efectos de posproducción que los personajes se cuestionan como si de verdad estuvieran ahí, pero la situación es muy básica, uno se infatúa y queda como un reverendo pendejo, haciéndo todo lo posible por acceder al objeto del deseo, incluso si eso incluye superar a la perra que destruyó tu vida hace añoy medio (¡hey!, esa es una subtrama).

Si eres un farol, aléjate, esto no es para ti. Versus requiere personas para las que matar siete jefes malvados les remita a Metal Gear Solid y No More Heroes más que a El Topo o mitos de antaño. Si eres alguien que estuvo expuesto a toda la cultura pop de los noventa- early 2K’s (y estás gustoso de ello)  o simplemente estás dispuesto abrazarla, ven y únete al culto. ¿Cuál es la dirección de Amazon.ca? ¿Ah, claro amazon.ca!

10/10

BIEN: La música, bollywood, Metric, la escena con risas de sitcom y la iconografía de videojuegos
MAL: Un graaan hoyo argumental
FÍJATE: en las playeras de Scott
ACABÉ: Amando Canadá <3

Seguir Siendo (2010)
De Ernesto Contreras
Con: Café Tacvba (Rubén Albarrán, Emmanuel del Real, Joselo Rangel, Enrique Rangel)

Por lo general, cuando se escucha la palabra documental, las personas se imaginan tediosos largometrajes acerca de las llanuras africanas y todos sus habitantes o de la hambruna en los países tercermundistas (lagrimita garantizada) o, como ha sucedido últimamente, largometrajes acerca de pingüinos.

Sin embargo, existen también otra clase de documentales, como los que tratan cuestiones políticas (Fahrenheit 9/11, Sicko, Bowling for Columbine, por mencionar las más famosas); también están aquellos en donde se retratan grupos bastante particulares y específicos que no necesariamente son considerados como “normales” por  el resto de la sociedad, como por ejemplo, Trekkies, documental que trata acerca de la idolatría que ciertas personas profesan a la famosa (y muy nerd) serie de televisión Star Trek; y también está mi clase favorita de documentales, los Rockumentaries (ah, ¡qué bonito es inventar términos!).

Estos documentales tienen la particularidad de tratar acerca del mundo del rock, de sus artistas, sus seguidores y detractores, de sus conquistas, sus derrotas y del largo y tortuoso camino que se debe seguir si uno quiere llegar a la cima y lo que es casi imposible, mantenerse. Existen muy buenos ejemplos de este subgénero: End of the century (The Ramones), The decline of western civilization, part II: The Metal Years (su temática se centra en la escena glam de Los Angeles en los 80´s), Anvil, the story of Anvil (acerca de un muy poco exitoso pero persistente grupo de metal), y recientemente, Seguir Siendo, del mejor grupo de México: Café Tacvba.

Este rockumental en particular tiene algo que lo hace especial, no solo para mí, que me considero un fan de esta banda, sino para un gran número de personas. En primer lugar, es actual, la banda sigue activa y disfrutando su mejor momento; segundo, al tratarse de una banda tan popular (a todo mundo le gusta mínimo una canción de Café Tacvba, o al menos los conocen) y que ha durado por tanto tiempo, resulta sumamente atrayente el conocer más a fondo la historia de la misma, la personalidad de sus integrantes y parte de su proceso creativo. Seguir Siendo nos muestra la intimidad y vulnerabilidad de esta banda lo cual es su mayor acierto; siempre se agradece el poder adentrarse en el día a día de la gente famosa (admitámoslo, todos somos algo morbosos), pero es mucho mejor cuando además se trata de gente talentosa.

A través del filme podemos ver la evolución de la banda al pasar de los años, como fue que a su creatividad se fue desarrollando, como pulieron su estilo, cambiaron su sonido manteniendo su esencia, por mas trillado que esto suene. Podemos ver como se pasó de la “Chica Banda” a “Vámonos”, proceso que es retratado en la película como si se tratara del cambio de las estaciones. Después de Café Tacvba forzosamente tenía que venir Re, el cual desencadenó Avalancha de éxitos, y así hasta llegar a Sino.

El proceso creativo y la manera de trabajar de los de Ciudad Satélite son mostrados de manera magistral en la película, pues inclusive se nos presenta una secuencia en la que la banda, dentro del estudio, se pone a lanzarse ideas unos con otros y contando con importantes intervenciones del productor argentino Gustavo Santaolalla, logran ponerse de acuerdo e integran una de las mejores canciones de su último disco.

Esta película no solo es testimonio de cómo una pequeña banda que empezó tocando una curiosa revoltura de estilos se convirtió en la más grande de México, también podría servir de inspiración y ejemplo para todas aquellas agrupaciones que están empezando ya que revela un importante ingrediente que sirve para mantener cualquier relación: el respeto.

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La edición que sufre mucho. En este episodio los protegemos de nuestras multiples enfermedades, hablamos de un torturados, de unas mártires, la duda de Clon acerca de que hay después de la muerte y las pendejadas de siempre. Mucho cine, poco Paco Kiu y hartas aventuras de Clon, Chio y Yarely en la ciudad // Claro, también hay canciones y non sense que no daña la moral.

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El día de ayer amanecí con la noticia de que la gente de internet estaba indignadísimo porque Inception (o El Origen, según la distribuidora) sería estrenada hasta el 30 de junio en Cinépolis y demás salas de exhibición, con excepción de Cinemark, quienes tienen la exclusiva temporal de  una de las películas más esperadas del año.

¿Que qué nos importa esto? Primero que nada, Inception es mucho más que la película intermedia y proyecto personal de Cristopher Nolan antes de la continuar con la tercera parte de El Señor de la Noche, sino que es la cinta que empieza el camino rumbo a los Premios de la Academia del próximo año. De esas películas que logran una expectativa demencial entre cierto sector de la audiencia.

Ahora, localmente es una pésima noticia porque durante una semana será imposible disfrutar Inception como se debe. ¿Por qué lo digo? Ignoro su situación en el país, pero considero que Cinemark es el cine con peor mantenimiento en el estado, con un sonido en el que parece que siempre está lloviendo y las salas menos cómodas del estado, además de que por su ubicación es muy probable que las funciones de cualquier cosa estén infestadas por preadolescentes ruidosos, que van más a echar desmadre que a disfrutar de una historia. Eso sí, Cinemark tiene mejores palomitas que cualquier complejo cinematográfico, pero solamente.

¿Esto tendrá consecuencias o boicot? ¡Claro que no! Es una realidad que la mayoría de la gente selecciona que película verá así como los animales eligen que comer, por eso las distribuidoras ponen nombres superdigeridos o hasta estúpidos al pasar a Región 4 sus estrenos. Ejemplo: The Hurt Locker o Zona de Miedo. La misma película, cuyos dos nombres dicen algo diferente. En una ocasión @Ruys escribía que un título como Zona de Miedo, captará no sólo a algunos despistados sino al público en general en busqueda de balazos, acción marca Bruckheimer/Michael Bay y en sí un rato ligero en la sala, porque [como mencioné al inicio del párrafo], son pocos los que se preocupan por informarse acerca del producto por el que pagaran $40 y los mantendrá al borde del asiento por dos horas. Todavía menos los que no son atraídos por las grandes estrellas en los posters.

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De disfrazados y chistes locales

En primer lugar Mark Millar es escoces y tiene una interesante visión sobre el cómic gringo y la cultura americana, con fascinantes pensamientos que sólo alguien ajeno al entorno puede generar. Este escritor mató al Capitán y llevó al universo Ultimate a un nuevo nivel, además de que por rebote convirtió a Iron Man en un personaje clase A en lugar de la mierda que era. Lo mismo con Capitán América, dos bultos para la continuidad a los que les dio un nuevo motivo y razones en el último megaevento significativo para los Marvel Zombies.

En cuanto al asunto Ultimate, Millar junto con Bryan Hitch se mofó de Sony, Universal y Fox respecto al tratamiento que le estaban dando a los héroes de Marvel; tanto de manera digna como la broma de Wolverine acerca del spandex en X-Men, como también sin tanga gracia como las adaptaciones de Spider-Man ya a varios años de distancia ¿un Duende Verde con motivos de dragón y armadura completa? Okeeeiii. Ni que decir del Kingpin negro o la simplificación de las tramas; ¿cómo se burlaron? con total libertad en la rendición de The Avengers para el universo Ultimate, que si bien puede parecer la serie más coherente y real del imprint en realidad es la que menos en serio se toma, porque el acercamiento de The Avengers versión Ultimate es como si un gran estudio de cine quisiera realizar una versión cinematográfica del cómic.

Primero que nada los Avengers no servían, así que Millar los nombró los Ultimates, con un Nick Fury con reminiscencias a Colin Powell y personajes con motivos apenas dibujados y algo exagerados, como en una cinta de Hollywood, además de, por el bien de la historia, cambiar totalmente la mentalidad de algunos monitos como América (que es menos alivianado que su contraparte Marvel clásica) o un Tony Stark todavía más cínico y propenso a los problemas del hombre. Como una metabroma, The Ultimates son una verdadera delicia, burlandose de lo estúpido que puede ser el mundo del cómic y las dificultades para llevarlo a cabo en un enfoque real. Esto fue antes de El Caballero de la Noche.

Después de todo eso, Millar junto con John Romita Jr. desarrolló Kick Ass, una historia acerca de las falta de superheroes en la vida real y como un joven busca cambiar eso. Les confieso que aún no leo Kick Ass y llegué como un neófito a su adaptación cinematográfica, esperando algo brutal pero a la vez gracioso. Todos sabemos el choro de que es una película indie y que ningún estudio quiso invertir hasta verla terminada con todo su potencial, teniendo al director Matthew Vaughn en la posición de recaudar fondos para su realización en un proyecto conjunto con Millar.

Así como The Ultimates, ya en la cuarta pared, se burla de la avaricia de Marvel y los estudios cinematográficos, Kick Ass tiene como objeto de análisis al lector de cómic, no al superfan o Marvel Zombie sino a uno simplemente aficionado y sin nada de especial. Al lector del cómic, sí, y lo exageradas, lloradas y dramáticas que son las tramas y motivaciones de los superhéroes.

Si bien el protagonista, Dave, ha sufrido en la vida, tampoco tiene un drama que le compita a Peter Parker o Bruce Wayne. Un chico promedio, del que aterra no tener algo que lo haga diferente a los demás. De hecho no nos queda muy claro porque carajo se pone el traje y empieza a combatir criminales. ¿El motivo es trascender y ya? ¿impotencia ante la inseguridad pública? algo nomás no cuadra en el momento que viste la tela verde y sale a la calle a partir madres.
No sé si sea justificable en la sensación que el director quiere del público, pero me fue imposible tener empatía con el protagonista, me importaba un carajo que le pasara al sujeto. De hecho en cierto momento estaba esperando un no agradable desenlace para él.

Hablando de eso, tenía conocimiento de que el cómic era brutal y como soy de estomago débil temí secuencias algo fuertes al momento en que Dave se da cuenta que la vida no es como una historieta, acabando más que madreado. Y pues, nada del otro mundo. Sí, es crudo e impacta pero no como debería para mandar ese mensaje. Existe violencia, pero remite más a lo gratuito de la segunda de Punisher que a Watchmen. ¿Llegar al mal gusto era el precio? me temo que para estos justificados fines, sí.

La niña. Es adorable y la vimos en otra película indie del año pasado. Y sale asesinando gente sin pudor alguno, además de que le dan una buena chinga. Eso si me impactó. Las primeras tres veces. Luego al directo le sale lo huevón y se repite a sí mismo. Por cierto, odié que en más de una ocasión se usara el recurso de música estruendose con líricas y feel ligeramente relacionadas a la escena de acción, me hacía sentir pena ajena y me remitía a contenido propio de la televisión, como secuencias de una serie o videoclip, aunque tengo que admitir que son menos penosas que la pelea con música Daft Punk/Queen en Iron Man 2.

La subtrama del amigo gay es un gran recurso cómico que bien pudo haber dado para una gran película de Judd Apatow, ya que aquí apenas sale librada en dos escenas (y muy complacientes). Algo que es de aplaudirse es el cinismo y aceptación de la realidad por parte de la familia de mafiosos, la conversación de la dulcería y el ICEE es increíble. Una cosa que prometía dejar un cabo por resolver era la promesa del médico acerca del traje de Kick Ass y mentir diciendo que encontraron a Dave desnudo (propiciando un gran gag) , pero ni siquiera vemos esa conversación, dando por hecho que el doctor guardará el secreto, con una ética increíble, pareciendo que esa mención simplemente existe para callar a los smartasses de internet, manteniendo el mentado realismo.

Leyendo me enteré que el director realmente estaba involucrado con Millar en la producción, cosa que no se nota en este producto que no me grita honestidad ni pasión, pareciendo una de esas películas por encargo, al estilo de Francis Lawrence, Gore Verbinski o Tony Scott. Concuerdo con otras reseñas en el punto de que tener un narrador habla de una hueva inmensa al momento de ingeniarse como contar la historia, a un proyecto tan prometedor no puede permitírsele eso, no hay pretextos, porque se cuenta con 90 minutos para contar una historia que ni es tan extensa.

Nicolas Cage me pareció creepy, lo que sí resulta efectivo para el personaje, no tanto su lastre emocional ni gris trasfondo. Es real pero eso no basta, ni siquiera para desatar ese sentimiento de venganza. ¿Planean una secuela? Digo, porque con tanto personaje a cuadro y sin mucho que hacer, como Marcus el policía, parece un semillero para nuevas historias o bien un guión facilón.

Tal vez lo que hizo funcionar y partir madres a Kick Ass en la escena del cómic, con toda la expectativa que conlleva, no fue llevado correctamente al cine o bien se esforzaron demasiado con toda la música licenciada, sangre a chorros (me gusta más la tipo spray como The Departed) y saltos de ninja.

Bien_ La sorpresa del principio, Hitgirl y D’Amico
Mal_ los diálogos dignos de un fanfic
Es extraño_ Que el director y guionista hayan preferido ahorrarse un gran giro respecto a Red Mist

¿Qué pasó ayer? (The Hangover, 2009)

Vista tarde y traducida.

Es tan buena que incluso en español con todas las voces que escuché en las caricaturas de mi infancia me resultó entretenida. Es una especie de metahumor escuchar a Alan the Manchild diciendo “es que me agarró el rifle” o al galancillo afirmando que “tu esposa es una piruja”. Por las razones equivocadas pero La Cruda me dio casi dos horas de diversión. Y de angustia al no saber como resolverían la cosa con los roofies. Además tiene uan de las mejores secuencias de créditos de la era reciente jaja, la canción hasta parece que es parte de la broma y no un acuerdo con la disquera.

Tengo que admitir que iba con una expectativa alta, además de que me atraen las películas con tigres, bebés con gafas oscuras y Jägermeister. ¿Qué tiene lo de la expectativa alta? Que no salí decepcionado y, oh señor, eso es fácil.

8/10