• Lo nuevo de Capullo
• Y mucha buena música (lo mejor que escucharás en 94.5 FM)

Sintoniza a Uziel Palomino hoy miércoles en punto de las 23 horas por 94.5 FM Radio Universidad (XHUAA) o bien por esta dirección electrónica con la transmisión en vivo

Hoy en /AUTONOMÍA te tenemos la nueva producción de los aguascalentenses CAPULLO, de quienes ya te hemos hablado previamente.

Se llama Testigos del Fin del Mundo y está disponible en descarga gratuita, en riguroso formato MP3. La banda posteriormente ofrecerá formatos lossless, pero esta descarga no tiene desperdicio ya que está en 320 kbps.

El disco, sobra decirlo, es altamente recomendable, con altas dosis de chiptunes y letras jocosas además de altamente descriptivas. Como para que les hagan a cada una un vídeo que sea calca de su historia.

Descarga: Capullo – Testigos del Fin del Mundo

Capullo, la banda que se autodefine como aquella que “cambiará el curso del mundo”, ha anunciado por medio de Facebook que el próximo 5 de enero publicará Testigos del Fin del Mundo, su más reciente producción discográfica.

/AUTONOMÍA, aprovechando los superpoderes de insider que nos ha otorgado la banda, ya escuchó el disco, el cual se aleja un tanto de lo conocido en Informática Romántica para Avanzados  y Merequeteque  EP. Son sòlo un puñado los temas que retoman la analogìa de las relaciones humanas con los ceros y unos, siendo la mayoría los que hablan sobre establecerse y dar paso al compromiso. Asimismo, el reggaetón no está tan marcando, sino siendo más bien una banda que ha abrazado su vibra synthpopera con todo. En serio, con todo.

Hay colaboraciones inesperadas desde Colombia y España, así como varios temas que rompen con lo ya conocido de estos mexicanos. Aguascalentenses, pues.

Y como dicen Isra, Sanduga y Cris, “a bailar que el mundo se va a acabar”.

El disco, su primer largo -de 13 tracks – estará disponible en su sitio oficial para descarga gratuita. La convocatoria reza lo siguiente:

Oh y una cosa màs ¿eso que escuchamos son instrumentos reales? Tal vez, o bien nuestros amigos tienen juguetitos nuevos.

Por cierto ¿les dijimos que es la mejor banda de Aguascalientes? Top de Club Fonograma ¿Alguien?

Tumblr de Capullo

Facebook Capullero

Cuando piensan en el género musical más malévolo que hay en la tierra ¿en qué piensan? Posiblemente en el metal, pero no se preocupen, ese error es muy común. El metal no es más que un montón de briagos que se creen bien rudos porque hablan de Satán y de pegarle a las mujeres, pero sí realmente buscan un sonido que se podría utilizar para musicalizar el fin de los tiempos, les ofrezco el aclamado género electrónico de nombre “Industrial”, sencillamente la cosa más agresiva, destructiva e iconoclasta que hay en cuanto a música se refiere, aportando sonidos que prácticamente parecerían no haber sido hechos por seres humanos.

- Diego Álvarez Quiñones

El origen de la música industrial está muy ligado a la musique concrete de compositores como Karheinz Stockhausen, Joseph Schillinger y Edgar Varése; y las influencias de Suicide, Devo, y Gary Numan. El sonido industrial, como se imaginarán, tiene mucho que ver con el término “industria” remitiéndonos a ideas de trabajo, metalurgia, y producción en serie, razón por la que uno de los “Instrumentos” más comunes dentro del género (después del sintetizador), son los objetos metálicos, desde herramientas como martillos y taladros, hasta amorfos trozos de metal como tubos y láminas, creando ese icónico sonido de “metal contra metal” que lo caracteriza; aunado a apocalípticas atmósferas, y ensordecedoras orquestaciones que, debido a su capacidad de aturdir, artísticamente se le ha catalogado como “anti-música”.

El industrial más que género o escena, comenzó como todo un concepto contracultural; a finales de la década de los 70’s, los pioneros del género no limitaban su propuesta a los escenarios, grupos como Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire, Clock DVA, SPK, y Einstürzende Neubauten, haciendo a un lado su etiqueta de banda y fungiendo más como “colectivos artísticos”, llevaban su propuesta a galerías y periódicos creando manifiestos, exposiciones, happenings, y cortometrajes, citando siempre más a artistas y a escritores como William S. Bourrougs, J. G. Ballard y Fillipo Tomaso Marinetti como influencia, que a cualquier otro músico.
A pesar de que los primeros grupos en profesar el nombre “industrial” eran de origen inglés, esta música (al igual que cualquier otro género que se valga de un teclado como base de ritmos), tiene su origen en la cuna de la electrónica: Alemania. Este país siempre se ha dedicado a la vanguardia en cuanto a instrumentos y composiciones entre la música popular, mientras Inglaterra y Estados Unidos se regodeaba con Led Zeppelin y Kiss, Alemania experimentaba con NEU! y Kraftwerk quienes valiéndose de sintetizadores, pistas y consolas, creaban sonidos totalmente nuevos y únicos, y que a pesar de no salir del fenómeno local, no tardaron en llamar la atención de artistas como David Bowie, Peter Gabriel y Brian Eno, quienes encontraron una serie de artefactos con qué experimentar, llevando el sonido y los instrumentos electrónicos fuera de Alemania para su posterior dominio público.
Alemania es un país que sí tomamos en cuenta la desigualdad y rezago social que sufría durante principios de los 80’s, el estrago de la división política entre el Oriente y Occidente, más la herencia ideológica producto de la posguerra, era natural que un género tan frío y radical naciera en una nación donde también el clima no es el más amigable, y donde tendría el mayor nivel de convocatoria y demanda con festivales como el M’Era Luna, el Amphi Fest, y el Wave-Gotik-Treffen que llegan a convocar hasta veinticinco mil personas desde hace ya varias décadas en diferentes ciudades del país nórdico y que gracias a disqueras especializadas como Inner X-Musick, Waxtrax, KK Recordings, Out of Line, Mute, y Metropolis Records, se pueden degustar maravillas provenientes de Suecia, Canadá, Dinamarca, Eslovenia y hasta México.
El industrial comenzó como todo un concepto y propuesta artística pero a lo largo de los años fue evolucionando y dividiéndose en diferentes subgéneros, encontrando un fiel aliado en la música gótica, fue mezclado con otros produciendo cosas cómo el Power Electronics, el Aggrotech, el Futurepop, el Dark Wave y el Electronic Body Music (EBM), este último el más exitoso por ser, digamos, una versión bailable de este intenso género;  gracias a exponentes como Die Krupps, KMFDM y Nitzer Ebb, su agresiva e innovadora versión del techno fue una fuerte influencia para bandas posteriores como Das Ich y Nine Inch Nails, hasta para sus congéneres como Depeche Mode y New Order , y cuya estética basada primordialmente en el fetiche del uniforme militar, dotó a la escena de su indumentaria “oficial”, razón por la que también inequívocamente, se asocia con movimientos neo-nazi, aunque ciertamente hay grupos como Von Thronstahl abiertamente simpatizantes del fascismo.

Sus temáticas rodean la controversia, exhibiendo en transgresoras canciones tópicos que van desde la vivisección y la guerra biológica, hasta la misantropía y el abandono de la humanidad por la idealización de una máquina perfecta, bombardeando audiencias con imágenes que van desde el fascismo y el totalitarismo, hasta la aniquilación humana; grupos como Laibach, Skinny Puppy y Ministry bien se podría decir, le dan voz y sonido a la palabra “odio” a un nivel tan intenso y grotesco, que poca gente puede tolerar más de quince minutos de su show en vivo.
Los invito a escuchar cualquier vertiente de este género que por algo es tan aclamado, y a su vez se mantiene relativamente subterráneo en muchas partes del mundo, ahora seguramente entenderán, porqué el Metal comparado con el Industrial, es sólo un montón de niños jugando a los disfraces.

Torreblanca es una banda

Juan Manuel Torreblanca quiere dejar algo claro: Torreblanca es una banda de cinco entes con voz y voto. Incluso dos de ellos están en otro proyecto que cuenta con cierta relevancia. El líder de este laureado proyecto de pop culto, junto con el guitarrista de la agrupación, platican con /AUTONOMÍA sobre el nuevo disco, un poco de la historia del grupo y la fiera que se ha vuelto la particular voz de Juan Manuel.

- Francisco Trejo

Luego de ser sesionista, creativo, productor y músico de apoyo para otros actos en vivo ¿Cómo te sientes en tu faceta de frontman?

JM: Estoy aprendiendo a serlo, ya que no me interesa ser un frontman con una banda de personas invisibles, el chiste de Torreblanca es que tanto musicalmente como en personalidad se transmita algo porque las personalidades de todos son muy diferentes y claras. Me prende mucho ver a los demás sentir que están emocionados y/o conectados, eso me da fuerza para ofrecerle más al publico.

De hecho hay una dinámica padre con Andrea Balency

JM:No es planeado ni ensayado, igual depende del lugar donde toquemos, hay veces en escenarios muy pequeños que no alcanzo a ver a Jerson o al Abuelo tanto como sería lo indicado, como el caso del bus Red Bull. Cuando creas contacto visual con alguien se genera una chispa y una cadena que también se traduce a la música. En el caso de Andrea, como canta ya aquí tenemos esa cuestión vocal que me sirve mucho para tratar de emparejarme, es como si siento que estoy tímido y la veo a ella super segura, pienso “esperate me tengo que emparejar porque me estoy quedando atrás”.

Hablando de Andrea ¿qué hay sobre esa alianza que se tiene con su proyecto Andrea Balency Trio? Incluso parece un spin-off de Torreblanca

JM: Tenemos que irnos un poco a la historia de Torreblanca, existimos desde hace 3 años, primero conmigo junto con El Abuelo (guitarra/bajo) y Jerson (batería) como la parte rítmica, este último invitado directamente por El Abuelo. A Andrea la invité a colaborar luego de escuchar sus grabaciones e irla a ver a uno de sus shows, antes de eso no habíamos cruzado palabra. El Tío (flauta y sax) se nos unió por un aviso que puse de broma en MySpace “HAY VACANTES” (risas).

Entonces Jerson y Andrea se conocieron en Torreblanca

JM: Ella hacía música en solitario desde antes, pero el Andrea Balency Trio se da forma cuando Andrea conoce a Jerson en los ensayos de la banda y posteriormente ellos dos trabajan en las canciones de Andrea, luego Jerson invitó a Mike (contrabajo) a colaborar con ellos y asi se formó el trío.

¿Torreblanca es una dictadura de Juan Manuel?

El Abuelo: (risas)
JM: Ahora es más democrático el proceso pero tal vez en un principio si era Juan Manuel Torreblanca acompañado de músicos aunque el nombre de la banda es porque mi apellido ya es lo suficientemente extraño como para buscar otro nombre, como el caso de Goldfrapp o Van Halen (risas).

Sobre el sencillo Lobo y Bella Epóca, el primer LP de la banda

JM: En cuanto al arte no fue algo que tuviera demasiado tiempo de planeación, más bien como fue como espontaneo, el título tiene que ver con la letra de las canciones en una idea de nostalgia que sentimos está generalizada en el mundo dado lo poco favorable de tiempos actuales. A propósito de la situación de la industria de la música aquí en México, la violencia,  y en sí una sensación apocalíptica de que el pasado era mejor . Es natural pensar eso, más no necesariamente cierto.

En cuanto al arte del disco

JM: Son imágenes que evocan tiempos viejos y recuerdos borrosos, un pasado medio falso que no necesariamente es el nuestro dado que no tenemos relación con las personas de las fotografías.

Abuelo, ya teniendo claro que Torreblanca es una banda de 5 individuos con personalidad propia ¿la consideras tu proyecto principal?

Abuelo: Pues es eso desde hace un buen rato, antes estaba en Los Actors, me distancié hace algún tiempo y lo último que supe es que se habían desintegrado. Antes de todo esto más bien era asunto de la juventud, tocas en la prepa con tus cuates sólo por diversión. Hoy en día Torreblanca es mi única banda, si bien cuando me uní a ella tenía otros compromisos, me gusta estar completamente involucrado ya que me acerco mucho más no sólo a los aspectos musicales sino en la logística y organización, que es algo que disfruto mucho.

Entonces tu labor no acaba al bajar del escenario o en el estudio

Abuelo: Es algo importante en un grupo actual, ya no son los ochenta donde acababas de tocar y había un gran equipo detrás que resolvía todo. Es algo padre porque tengo la noción de que muchas bandas de antes no sabían lo que sucedía en su organización o estaban algo limitados en decisión y ahorita es algo que en Torreblanca es de interés, nosotros decidimos como trabajamos. ¡Si queremos hacer videos de todas las canciones, lo hacemos! Claro, si hubiera dinero (risas).

Torreblanca es de esos grupos que parecen hechos, entre otras cosas, para gustarle a la gente de internet, hay dos blogs que los adoran, el primero es Me Hace Ruido

JM: Considero que es uno de los blogs más importantes y comprometidos con la escena musical por parte de quienes lo regentean y crean, que afortunadamente tienen otros trabajos y eso les permite llevar un blog libre de pretenciones comerciales. Un trabajo de gente muy puntual y clavada.

Sobre la sesión tipo La Blogotheque que grabaron con ellos

JM: Queda claro que ellos son muy fans de ese concepto y pues nos obligaron a hacer estas cosas tan acústicas (como percusiones con cucharas, vasos y mesas), lo que choca conmigo al ser el piano mi instrumento base, que no es viable en una sesión portatil pero estuvo divertido el reto para mehaceruido.com

Club Fonograma es otro blog que sencillamente los ama

JM: Fue el primer blog que escribió sobre mí (cuando el proyecto todavía era Juan Manuel Torreblanca) hace varios años y ni me lo esperaba al subir mis canciones al MySpace con la expectativa de que las escucharan 3 personas. Eventualmente Carlos Reyes (editor de Club Fonograma) abrió convocatorias para colaboradores, apliqué y me aceptó luego de un cuestionario.

¿Por qué ser juez y parte de la escena?

JM: Lo hice más que nada para que Carlos  me pasara discos (risas) y material nuevo, de cualquier manera siempre ha habido un buen lazo ahí aunque para algunos es raro porque soy colaborador y ellos hablan muy bien de mi música ¡pero son cosas aparte!.

Incluso alguna voz escribiste y tomaste fotos del Vive Latino para Club Fonograma

JM: Fue una experiencia padre, estar desde el público, pero este año ya no fue tan viable dado que estuvimos tocando en vivo como Torreblanca, por lo que iba ser muy difícil el establecer una cobertura.

¿Cómo se sintieron en el Vive Latino?

Abuelo: Fue el primer Vive Latino de Torreblanca, aunque algunos ya habían tenido experiencias previas en otras bandas. Y pues fue una de nuestras mejores tocadas, muy divertida, con apoyo en la sección de El Tío (flauta y sax) en especial de Daniel Zlotnik de Los Dorados que nos acompañó al final del toquín. Igual fue bueno contar con la infraestructura del Vive.

Juan Manuel, respecto a tu voz, que en las primeras reseñas de tus demos se calificaba como tímida e incomún ¿Ha cambiado? ¿Cómo te sientes ante tales comentarios?

JM: Yo digo que es un animal salvaje, hay días en que está de buen humor y se deja, en otros días no. En realidad es rara, lo que pasa es que es difícil compararla con otras voces y lo que hago es tratar de expresar las emociones de mis letras de la manera más fiel. A veces no me siento tan cantante o que sea muy bonita o algo así pero lo que es cierto es que me siento más cómodo porque cada vez me juzgo menos en el escenario.

Fotos: Rodrigo Jardón para Torreblanca

Por Yamille Marmont

¿Qué hacían ustedes en el 2003? Yo vivía una etapa de descubrimientos, como toda  adolescente, pero especialmente dichos hallazgos fueron musicales. En ese año  comencé a ir a shows locales y  tocar con bandas, además de que discos como So Long, Astoria de The Ataris, The Fiction We Live de From Autumn To Ashes, Frengers de Mew y por supuesto, Deja Entendu de Brand New fueron publicados y llegaron a  mis oídos, convirtiéndose en parte del soundtrack de mi vida. Pero fue una banda en  particular la que se ganó  un merecido espacio en él,  de manera casi inmediata: Funeral For A Friend.  Casually Dressed And Deep In Conversation fue uno de los  motivos por el cual valió la pena haber tenido 14 años.

Sin embargo, después de superar todas nuestras expectativas con Hours (2005), los ingleses perdieron el encanto, publicando dos producciones bastante mediocres en su afán de conquistar territorios mainstream y no funcionó. Lo último que supe de ellos fue cuando los vi en vivo hace 3 años y donde tuvieron que omitir canciones de ese periodo y tocar sólo clásicos si no querían que la audiencia entera nos quedáramos dormidos. Así que cuando me enteré de que un nuevo álbum de FFAF había salido a la luz, ni me tomé la molestia de escucharlo. Ya tenía planeado todo, este texto sería sobre  The Lack Long After  de Pianos Become The Teeth hasta que me entró la curiosidad y decidí darle una oportunidad a  Welcome Home Armageddon y oh sorpresa que me llevé.

Después del primer track, estratégicamente instrumental para hacerla de emoción comienza  “Old Hymns”. Rápida, directa, pero melódica, me tomó sólo 10 segundos pensar (y tweetear)  ʻFFAF está de regresoʼ. “Front Row Seats To The End Of The  World” y “Sixteen” son un claro ejemplo de todo lo que la banda es actualmente, por un lado los riffs pesados y los gritos, que se complementan a la perfección con los coros melódicos donde se nota el trabajo vocal que Matt Davies ha desarrollado con los años. Pocas bandas tienen la habilidad de balancear ambos estilos de manera tan satisfactoria.

“Aftertaste”, “Spinning Over The Island” y “Man Alive” son todo lo que queremos y esperamos que la banda sea, al momento de recordar sus primeras producciones notamos que hay una progresión planeada y lo mismo sucede aquí, el orden de las canciones es intencionalmente perfecto. Sigue “Owls (Are Watching)”, la más cercana a una balada que es mi favorita debido a su estructura engañosa y su firme propósito de ser imposible de olvidar. “Damned If You, Damned If You Donʼt” y “Medicated” continúan con los estándares de calidad y por último “Broken Foundation” se despide con un outro completamente inesperado. De principio a fin el álbum es sólido, no hay canciones de relleno ni trucos baratos.

Además, muchas bandas intentan regresar a sus raíces de manera satisfactoria (frecuentemente en un intento desesperado de re-conquistar a sus seguidores) y no lo logran.  Tiene la pasión, entrega, y base sonora de  Casually Dressed And Deep In Conversation pero hay una madurez notable tras 8 años y numerosos tours.

Welcome Home Armageddon es recordar viejos tiempos y más que eso, volver a  vivirlos, pero no igual. Ya no somos adolescentes de secundaria o bachillerato con  sueños y planes, somos adultos ojerosos y tatuados empezando a hacer realidad esas  metas que parecían inalcanzables pero una cosa sigue igual: seguimos escuchando a  Funeral For A Friend, y lo mejor, nos siguen provocando esas sensaciones que sólo un verdadero álbum del año podría lograr.

@yamillemarmont

{Feature} Los tres emos de St. Albans que nos pusieron a bailar

A propósito del #1 / Pala de Friendly Fires

El conteo

Por Uziel Palomino

- Diego Álvarez Quiñones

Música de fondo consiste en un esfuerzo de una banda en necesidad de reinvindicarse, con un backlash de su público natural, adoptada por una fanaticada con promedio de 15 años de edad y un giro en extremo comercial en su carrera: casi 4 años sin material nuevo, buscando un nuevo público y lanzando meras compilaciones.

Parece de ley entre la gente de internet el afirmar que Zoé apesta ¿por venderse bien? ¿por dejar Noiselab por EMI? ¿por cortarse el cabello para el Unplugged? ¿por sacar una caja de viniles en un estado tan temprano de su carrera? Razones tal vez sobren, pero no me explico el odio tan cabrón generado hacia Zoé luego de Memorex Commander, cuando todo el México indie mamaba el éxito de Dead como canción del 2004.

En fin, Música de Fondo reinventa de manera magistral canciones que son parte de etapas relevantes (y muy emos) de mi vida. Tengo 21, igual conozco gente de 24, 15 u 11 a la que le llega. Es la reinvención del soundtrack de nuestra vida.

Tal vez si recién conociera a Zoé, le tendría recelo por las cuestiones mencionadas pero tienen derecho de antigüedad. Perdónenme por cursi.

Y acuerdense de mi cuando Hello Seahorse! ande en las mismas

Destacadas: Dead, Vía Láctea, Infinito, Nunca

Me Molestan/No me gustan: Nada y Luna (será porque los invitados nomás no van)

De notar: Para la rueda de prensa, vistieron igual a la banda que en la grabación. Trucos de disqueras.

BONUS! Previo de los 14 tracks en Rocanlover.com.mx

B.R.M.C. está conformado por Peter Hayes, ex integrante de The Brian Jonestown Massacre en la guitarra, Robert Levon Been, hijo de Michael Been, antiguo líder de la desaparecida banda The Call en el bajo y Leah Saphiro, ex integrante de The Raveonettes en la batería, con melodías que van desde el blues más siniestro hasta el shoegaze más etéreo, B.R.M.C. además de ofrecer un sonido oscuro, letras con claras criticas políticas y conciertos de más de dos horas, ha sido incluso la única banda emergida de la década pasada que saliendo de su cotidianeidad se atrevió a lanzar un disco de música experimental titulado The Effects of 333, que al igual que los dos volúmenes del Unfinished Music de John Lennon, y el Metal Machine Music de Lou Reed, fue un disco atrevido y totalmente destruido por la “prensa especializada”.

B.R.M.C. no es precisamente la banda más desconocida del todas (han venido a México en dos ocasiones), pero a pesar de que muchos tienen conciencia de ellos, no todos les prestan la atención que merecen, por eso a comparación de Kings of Leon, Interpol, o Arcade Fire no han podido emerger de la oscuridad y los foros pequeños sin importar que tan increíbles o sinceros sean como músicos o personas.

Y esta mala suerte no se limita a poca difusión o criticas pobres, sino que tras ser abandonados por su sello Virgin Records en el 2004 y cambiar constantemente de disquera por bajas ventas, B.R.M.C. tuvo que lidiar con las adicciones de su ya ex-baterista Nick Jago, quién por poco separa a la banda en más de una ocasión, por otro lado, el padre de Robert, quién era también el ingeniero de sonido de la banda, murió el año pasado de un ataque cardiaco, y por si fuera poco, Robert fue encarcelado y multado el pasado Diciembre por el gobierno de Munich con 18, 500 euros por accidentalmente dejar casi ciego a un espectador al lanzar al publico una botella de agua.

Es irónico cuando pensamos como artistas cuya entrega a la música es total, y otros como… bueno, escoja al artista pop que más odia, son tan distantes en tanto calidad como éxito, y a su vez, es esta dedicación al proyecto, insistencia y amor por lo que se hace lo que demuestra quién es quién, por eso, y por lo que más quieran háganle un favor tanto a la banda como a sus fans y compren sus discos que de no ser así antes de darnos cuenta podrían anunciar su separación por falta de recursos.

- Diego Álvarez Quiñones

“Ah, de seguro hay muchos otros países ignorados, a fin de cuentas todas las bandas en ese mugroso festival son mexicanas o argentinas”: usted ya habrá pensado, pero usted se equivoca, aunque no lo crea, los organizadores se han encargado de traer bandas de toda Iberoamérica, desde su primera edición en 1998, el festival ha tenido visitas de como Libido del Perú, Cienfue de Panamá, Caramelos de Cianuro de Venezuela, Chancho de Piedra de Chile, el Cuarteto de Nos de Uruguay, Puya de Puerto Rico, Malacates Trébol Shop de Guatemala, Dr. Krapula de Colombia, The Skatalites de Jamaica, Columpio Asesino de España, Blasted Mechanism de Portugal y de Argentina ni se diga.

“¿Y qué me importa? Ni que hubiera alguien famoso de por allá” Oh mi querido lector ¡no me de cuerda! ¿cree usted que cuando el festival agendó por primera vez a bandas como Vetusta Morla y Urlaub in Polen, todo mundo brincó de gusto? Seamos sinceros, hay bandas en el cartel cada año que para muchos caen dentro de la categoría “¿Y esos güeyes quienes son?” Si la excusa es que los organizadores no saben de un sequito a algún grupo brasileño en México, sencillamente pueden traer bandas bajo la excusa de “nueva propuesta”, y al igual que La Pulquería, y Kumbia Queers, que en su momento apenas terminaban su primer disco y no gozaban realmente de base de fans, tras ser expuestos al publico nacional terminarían en boca de varias personas.

“Muy bien ¿qué sugieres?” No pido que traigan a eminencias como Sergio Méndez, Astrud Gilberto, a Engenheiros do Hawaii o a los legendarios Os Mutantes (que no creo cobren más caro que Bunbury o Cerati), en Brasil hay decenas de grupos más allá del ska y del pop-rock al que tienen acostumbrada a la audiencia, mas allá de CSS o Bonde Do Role, Brasil cuenta con grupos como Raimundos, Lobotomía, CPM 22, y Charlie Brown Jr, que sin problemas podrían ofrecer un gran set lleno de guamazos, brincos y bailes dignos del festival tan famoso por su grado de violencia entre sus asistentes; cantantes como Maria Rita y Bebel Gilberto, recibirían una aceptación mucho mejor a las desastrosas presentaciones de Natalia Lafourcade y Amaral. y sobre todo, su inclusión sería un merecido descanso a los Auténticos Decadentes y Panteón Rococó de todos los años, y que acá entre nos, quedarían en ridículo junto a las previamente mencionadas.

¿Porqué para los organizadores es más fácil traer bandas inglesas y norteamericanas totalmente alejadas del concepto del festival? ¿Es para ellos más sencillo agendar la misma banda tres ediciones consecutivas? ¿No se supone que están a la vanguardia? ¡En Brasil también hay música! ¡Despierten, maldita sea!

- Diego Álvarez Quiñones

Una vez más, la empresa organizadora de eventos, OCESA, decidió realizar su “Encuentro de Música Regional de México para el Mundo”, y una vez más la baja convocatoria, por no decir mínima, orillo al evento a rematar los boletos de $250 a $50 pesos el mero día, y ha registrar un quórum menor a la del 50% de capacidad del foro, es decir, a ser un rotundo fracaso.

Lo que para muchos sonó a un disparatado chiste para otros se volvió un evento con dos escenarios y más de 50 bandas, pero el hecho es que el Vive Grupero (para aquellos que no estén enterados) es un festival donde se reúnen a los mayores exponentes del norteño, grupero, banda, duranguense, tex-mex e incluso cumbia para un evento de dos días emulando al Vive Latino con todo y stands de discos, playeras, carpas VIP, y toda la cosa para armar un festival masivo y que, como prometía el comunicado original: “satisfacer las necesidades de todo el público que está ávido de tener en un solo lugar a sus ídolos musicales”, y fue desde ese momento que la organización la regó: el formato “festival de rock”.

Cuando un aficionado a la música rock, pop o “alternativa” (sin discriminar edad, aunque claro, la mayoría son jóvenes) decide asistir a un festival masivo, sea cual sea y sea donde sea, tiene que lidiar con varios elementos: interminables filas, conglomeraciones llenas de empujones y arrimones, rango de visión nulo, cantidad de decibeles nocivas, y sobre todo él estar parado por más de siete horas bajo sol o lluvia, por eso, cuando situamos en este desgastante escenario a un aficionado a al norteño acostumbrado a un evento donde puede estar en una mesa con su familia bebiendo, comiendo, y saliendo a bailar de vez en cuando, lo lógico es que este sombrerudo amigo se retire, y la prueba fue la primera edición del festival donde la incesante lluvia orilló a una considerable parte del publico a irse o simplemente no asistir.

Y está aquí el problema: la asistencia; estos “norteños” no tienen la devoción y compromiso con la música como lo tendría un “rockero” que encuentra su lugar en diferentes festivales y que al terminal la noche tiene tanto los pies como la espalda hecha papilla por el puro amor a la música. Aunque bien es sabido que los Tigres del Norte acostumbran dar conciertos de más de diez horas de duración terminando a las 9:00 AM del día siguiente, los que frecuentan recitales de norteño en rodeos, lienzos charros y palenques, no están preparados a las inclemencias de un festival y ni les interesa realizar esta serie de sacrificios por un artista, dando como resultado la lamentable cifra de 12 mil asistentes en un lugar con capacidad de 60 mil.

Esta mencionada cifra fue sacada de un comunicado de OCESA, que en varios medios impresos ha variado de 12 mil, a 15 mil, a 17 mil y a hasta 20 mil por día, pero en lo personal no les creo nada, si vemos la transmisión del evento por el canal de cable Bandamax podemos apreciar un Foro Sol a menos de medio llenar, con espacio suficiente para transitar tranquilamente entre las primeras filas, y vistas panorámicas de la audiencia dando la impresión que no rebasan los cientos, y que lentamente se van retirando sin mucho pendiente de estar presentes un domingo a minutos de ser la una de la mañana viendo a Vagón Chicano.

La empresa organizadora tal vez pensó que el año pasado la convocatoria fue pobre gracias a la lluvia, y este año podrían reivindicarse con las 45mil personas que prometían, pero ahora que ni los boletos al 2×1 y el clima complaciente pudieron lograr un evento exitoso, espero se den cuenta que algo está mal con su formula, tal vez sí replantearan la calidad en su alineación (he conocido adeptos del norteño que no encontraron atractivo alguno en los dos carteles presentados por el festival), tal vez cambiando su sede (no sólo el foro sino también el estado), tal vez sí se concentraran más en el publico joven (algo así como el equivalente con botas y hummer de aquellos que frecuentan el Vive Latino), tal vez (y remarco el “tal vez”), la tercera sería por fin la vencida.

Ya que, siendo un poco más optimista, podemos analizar el concepto del festival y comprobar que es de hecho una interesante oferta cultural. He conocido varios extranjeros cuyo interés en México rebasa el visitar las pirámides, existe eso que llaman “turismo musical”, y la idea de reunir durante dos días a los mayores exponentes de la música popular mexicana suena como una oferta enriquecedora para aquellos (que no necesitan realmente ser extranjeros) que tienen curiosidad y hambre de música regional, pero para que esto suceda el festival tendría que realizarse en verano, la época alta de turismo y fecha en que suceden todos los festivales del mundo.

Irónicamente nunca he oído o conocido de algún extranjero, venga de Europa, Asia, Norte o Sudamérica (además de Beck que gusta de Banda Machos y Jonathan Davis de Korn que es fan de los Tigres del Norte), que esté interesado en la banda, siempre es cumbia, salsa, merengue, ranchera o rock nacional, y no me sorprende ya que entre toda la variedad de música popular que hay en este país, la banda es sencillamente la más chafa.

Cuando el rock se vuelve obsoleto, repetitivo, y se ve a sí mismo acorralado por sus propios cánones, algunos músicos se dan la tarea de reinventar el género, de darle contemporaneidad y actualizarlo a estos días tan distantes de los años que lo vieron nacer, personajes como Conor Oberst, Jeff Tweedy, y Jack White, con tan sólo una guitarra, han logrado demostrar que con más de sesenta años de antigüedad, el rock aún tiene galleta, pero ¿qué pasa cuando se opta por explorar aún más allá? ¿Cuándo con los instrumentos de siempre se decide crear algo más “picudo”? Eso, es a lo que le llaman “Post Rock”.

¿Qué? Cómo? El post rock es un término (algo pretencioso realmente) que desde los noventas se le ha adjudicado a un número de bandas que bien iTunes podría etiquetar como “inclasificable”, pero que tienen ciertas características en común: se abandona la estructura “verso-coro-verso” y con instrumentos típicos del rock se crean piezas predominantemente instrumentales (la mayoría con títulos alucinadísimos), a las cuales se le integran elementos de jazz, psicodelia, música de cámara e incluso del abstracto krautrock alemán; Como su nombre lo indica, está más allá del rock.

Acompañados a veces con instrumentos no tan convencionales como el xilófono, el acordeón, el arpa y grabaciones de diálogos de películas, grupos como God Speed You! Black Emperor, Pelican, They Will Destroy You y Cul de Sac se han valido de sus guitarras para darle sonido a la furia y a la nostalgia, a la apatía y al frenesí, de musicalizar las emociones más profundas de la psique humana, y de paso crear un género completamente nuevo en su búsqueda personal de la innovación, y es este nivel de experimentación la razón por la que las presentaciones de estas bandas siempre son frente a audiencias pequeñas.

Este país ha recibido con los brazos abiertos al post rock; en el año 2006, Mogwai, agrupación originaria de Escocia, se encargó de inaugurar una serie de legendarias visitas al D.F. de grupos de todo el mundo y de engendrar varias bandas por toda la república, unas famosas como Austin TV, Movus y Sad Breakfast, y otras no tanto como A Colores, Ambiente y The Polar Dream. Las visitas de grupos como Explosions in The Sky (EU), Sigur Rós (Islandia), Mono (Japón), y Thee Silver Mount Zion Memorial Orchestra (Canadá), han demostrado que México lindo y querido cuenta con un sequito fiel y considerable al género, al grado que desde la visita de Mogwai, hemos tenido al menos una presentación al año de un grupo de esta índole; el 2011 tiene prometida la visita de posiblemente el grupo más influyente de la escena: Tortoise.

Para serles sincero, muchos dicen ser acólitos de esta exótica música nada más para apantallar a sus cuates en el last.fm (conozco a varios), pero para aquellos que terminan hastiados de escuchar en la radio diez veces al mismo grupo (pero con diferente nombre) y buscan una alternativa a los niños güeros con playeras moradas diciendo “dance!”, es una refrescante opción que dejará satisfecho hasta el más exigente debido a su versatilidad… aunque ciertamente, hay grupos que llegan a ser tan “etéreos”, tan “atmosféricos”, y tan “viajados” (con canciones mayores a los diez minutos), que sinceramente pueden ser algo… somníferos.

- Diego Álvarez Quiñones

Gráfico de Axel Altamirano

Cuando escuchamos Emiliano Zapata todos pensamos básicamente en lo mismo: ese individuo de sombrero y bigote al que se le llama “el caudillo del sur”, pero cuando escuchamos La Revolución de Emiliano Zapata no a todos nos llega la misma imagen mental, unos pueden pensar en una interminable batalla entre el humilde campesino y el diabólico gobierno, pero hay otros que cuando escuchan ese nombre de corrido, piensan en el que fue posiblemente el mejor grupo de rock seminal en la historia de este país.

La Revolución de Emiliano Zapata, fue un grupo de rock que a principios de la década de 1970 fue no sólo un exponente del talento de Guadalajara, sino un estandarte musical para el resto del país en cuanto a rock psicodélico se refiere. Más allá de ser una pieza de nostalgia para los que gustan de Three Souls In My Mind y Javier Bátiz, “La Revo” es una banda que no sólo en América Latina sino en Europa, es considerada de los exponentes más originales dentro del rock psicodélico, ya saben,de estilo que te permite ver rayos y espirales de múltiples colores.

Liderados por Javier Martín del Campo, la banda se originó en Guadalajara, y tras ganar un concurso donde el premio era la grabación en forma de su material, en 1971 la banda se mudó al Distrito Federal donde bajo el sello de Polydor editaron su primer disco que incluiría temas como “Ciudad Perdida”, “Al Pie de la Montaña” y su canción más famosa: “Nasty Sex”, canción que los llevaría a la cima de las listas de popularidad mexicanas e incluso europeas, específicamente inglesas, siendo de los primeros grupos de rock mexicanos en importar masivamente su música a Europa, valiéndoles cinco medallas por parte de Polydor en reconocimiento a su alto índice de ventas. El éxito obtenido les otorgó un espacio dentro de periódicos, programas de televisión, y películas (una incluso con Angélica María).

A decir verdad este grupo no es tan desconocido dentro del circulo rocanrolero, pero ciertamente no goza de la misma popularidad de contemporáneos como El Tri y Dug Dugs, y eso es en parte a su trágico final, estamos hablando que nadie murió por sobredosis, sino que la problemática fue por cuestiones financieras: el grupo tuvo que cambiar su sonido psicodélico, alucinado para greñudos y patilludo, a balada romántica para señora con peinado de salón.

Las inclemencias de la vida se hicieron presentes y la psicodelia ya no dejaba para los tacos, dando un giro de 180 grados, cambiaron las patillas y los jeans por el esmoquin y los zapatos de charol presentando en 1975 su tercer disco titulado La Nueva Onda de la Revolución de Emiliano Zapata, título que no pudo ser más acertado para su nueva “dirección artística” que les valió el repudio y el rechazo de sus seguidores, aunque también les consiguió lana suficiente para sobrevivir aún de la música, e incluso anotar uno que otro éxito con románticos temas como la soñadora “Como Te Extraño” y el éxito de 1979 “Mi Forma de Sentir”. Ni hablar.

El año pasado, tras 30 años de editar nada, el grupo (o más bien “Javier Martín y amigos que lo acompañan”) se presentó con el disco La Revo y bajo un nombre homónimo. Y sí, es de rock, e incluso trae nuevas versiones de canciones de sus primeros discos, pero ya no es psicodélico, es más como rock urbano del tipo Lira N’ Roll o El Haragán y Cía.

Es por eso que la banda que fue una explosión rocanroleristica y psicotrópica ya está muerta, y al igual que el Caudillo del Sur, no es más que un recuerdo del que sólo perdura su legado para el que lo quiera retomar o interpretar, en lo personal les recomiendo sus dos primeros discos para que descubran a estas alturas del Bicentenario que las mejores bandas de rock en México no son ni Maná, ni Fobia y mucho menos Zoé. No inventen.

- Diego Álvarez Quiñones

Gráfico de Axel Altamirano